Um pouco sobre o Quarteto Em Cy

Quarteto Em Cy - Tudo Que Você Podia Ser

Quarteto Em Cy é um conjunto vocal formado originalmente pelas irmãs Cyva, Cynara, Cybele e Cylene, nascidas em Ibirataia, estado da Bahia, e que se mudaram para o Rio de Janeiro na década de 1960. O nome foi dado pelo poeta, cantor e compositor Vinícius de Moraes que se tornou padrinho do quarteto.

Iniciaram sua carreira musical em 1963 e lançaram seu primeiro disco no ano seguinte. Em 1966, Cylene saiu e foi substituída por Regina. Em seguida, Cynara e Cybele se apresentaram juntas no II e III Festival Internacional da Canção e deixaram o grupo, sendo substituídas por Cynthia e Cymiramis. Contudo, dão um tempo em suas atividades e só retornam em 1972 com  Cyva, Cynara, Dorinha e Sonya na sua formação.

Com o tempo, o grupo gravou mais de 30 discos em toda sua carreira, mas as mudanças continuaram a ocorrer na sua formação. Apresentaram-se no exterior, especialmente no Japão e na Europa. Em agosto de 2014, Cybele, uma das integrantes do grupo, faleceu no Rio de Janeiro devido a uma isquemia pulmonar. Atualmente conta com Cyva, Cynara, Sonya e Keyla na sua formação, continuando a realizar apresentações em todo o pais.

Frank Sinatra e Tony Bennett: As Vozes da América

Frank Sinatra e Tonny Bennett - The Lady Is a Tramp

Frank Sinatra e Tony Bennett são duas grandes vozes norte-americanas, famosas em todo o mundo e que encantaram várias gerações de ouvintes.

Francis Albert Sinatra nasceu na cidade de Hoboken, estado de Nova Jersey em 1915, sendo filho de imigrantes italianos. Descoberto por Harry James em 1939. cantou com a orquestra de Tommy Dorsey e, em 1942, fez seu primeiro espetáculo solo em Nova York. Assinou seu primeiro contrato como cantor profissional no ano seguinte e gravou seu primeiro disco The Voice of Frank Sinatra em 1946.

Internacionalmente consagrado como um dos mais célebres crooners e conhecido como "A Voz", Frank Sinatra também alcançou sucesso em numerosos filmes como "A um  Passo da Eternidade" em 1953, ganhando um Oscar de melhor ator coadjuvante; "O Homem do Braço de Ouro" em 1955; e "Alta Sociedade" em 1956, entre outros. Entre suas gravações mais conhecidas, destacam "Young At Heart", "New York, New York", "My Way" e "Strangers In the Night".

Frank Sinatra também realizou grandes apresentações e já gravou com grandes nomes da música internacional como Barbra Streisand, Gloria Estefan, Carly Simon, Tom Jobim e Tony Bennett. Morreu em Los Angeles em 1998.

Já Anthony Dominick Benedetto, artisticamente conhecido como Tony Bennett, nasceu no Queens, um dos distritos de Nova York em 1926. Foi descoberto em um programa de novos talentos de Arthur Godfrey e entrou na carreira musical, vindo a se tornar um dos maiores intérpretes da música americana, especialmente no jazz na década de 1950. Lançou seu primeiro disco Cloud 7 em 1955.

Em 1962, realizou uma grande apresentação no Carnegie Hall em Nova York e lançou o disco I Left My Heart in San Francisco que ganhou um Disco de Ouro e rendeu a Bennett 2 Grammys nas categorias de Melhor Álbum do Ano e Melhor Performance Vocal Solo Masculino. Além da faixa-título, entre as gravações famosas de Tony Bennett estão as músicas: "Because of You", "Cold, Cold Heart", "Rags To Riches", "Stranger In Paradise" e "Fly Me To The Moon".

Ao longo de sua carreira, vendeu mais de 50 milhões de discos e recebeu várias premiações. Tornou-se ídolo de Frank Sinatra, e ambos já se apresentaram e gravaram um disco juntos. Após a morte de Sinatra, Tony Bennett fundou a Frank Sinatra School of the Arts em Nova York no ano de 2001. Além de cantor, Bennett também se destacou na pintura, tendo criado várias obras.

Perfil de Alcione

Alcione - Você Me Vira a Cabeça

Seu nome de batismo é Alcione Dias Nazareth, simplesmente conhecida como Alcione, e é natural de São Luís, capital do estado do Maranhão, onde nasceu no dia 21 de novembro de 1947. Sendo a quarta dos nove irmãos, a música entrou na vida de Alcione através de seu pai que era policial militar e fazia parte da banda da corporação.

Além de cantar, aprendeu a tocar diversos instrumentos de sopro. Formou-se como professora primária na Escola de Curso Normal e logo depois foi morar no Rio de Janeiro em 1968 com ajuda do amigo (e também cantor) Everardo, e passou a se apresentar em barzinhos e outras casas noturnas da capital fluminense. Tornou-se conhecida após participar do programa de tv A Grande Chance, apresentado por Flávio Cavalcanti.

Após uma excursão de shows pela América Latina e Europa, voltou ao Brasil e conseguiu um contrato com a gravadora Polygram onde gravou dois compactos. Contudo, o seu primeiro LP A Voz do Samba foi lançado em 1975 pela gravadora Philips, onde emplacou seu primeiro grande sucesso nacional: "Não Deixe o Samba Morrer" (samba composto por Edson Conceição e Aloísio Silva). A partir daí, foi gravando um disco por ano, destacando os álbuns Pra Que Chorar? (1977), Gostoso Veneno (1979), Almas e Corações (1983) e Simplesmente Marrom (1989), entre outros.

O reconhecimento musical foi logrado com várias premiações ao longo de sua carreira e diversas homenagens recebidas, incluindo um teatro que leva seu nome em São Luís e tema de samba-enredo do Grêmio Recreativo Escola de Samba Unidos da Ponte, no carnaval do Rio de Janeiro em 1994. Alcione, ao de Beth Carvalho e Clara Nunes, formam o "ABC do Samba".

Um pouco sobre Zeca Baleiro

Zeca Baleiro - Flor da Pele

José Ribamar Coelho Santos nasceu em 1966 na cidade de Arari, estado do Maranhão. Chegou a cursar dois cursos universitários - Jornalismo e Agronomia - sem concluir nenhum deles. Recebeu o apelido de "Baleiro" pelos seus colegas por gostar de doces e balas.

O apelido foi adotado artisticamente, ficando conhecido como Zeca Baleiro e, ao morar em São Paulo, realizou vários trabalhos com música até tornar-se cantor. Gravou seu primeiro disco Por Onde Andará Stephen Fry? em 1997, emplacando seu primeiro sucesso "Flor da Pele". No ano seguinte, recebeu três troféus na categoria pop-rock do "Prêmio Sharp 98": "Troféu Revelação", "Melhor Disco" e "Melhor Música", por sua composição "Bandeira". 

A partir daí foi se tornando conhecido musicalmente, e logo vieram novos trabalhos como os cds Vô Imbolá (de 1999, com destaque para as faixas "Lenha" e "Samba do Approach") e Líricas (de 2000, destacando a regravação de "Proibida Pra Mim", do grupo Charlie Brown Jr.). Após excursões pelo Brasil e no exterior, Zeca lançou um cd ao lado de Raimundo Fagner em 2003, com repertório de canções inéditas de ambos.

Além de novos cds e dvds gravados, Zeca Baleiro também se mostrou um ótimo compositor, mesclando ritmos que vão do baião ao pop e samba, além de ter suas canções regravadas por vários artistas da música brasileira como Chico César, Simone, Fagner, Zé Ramalho, Zeca Pagodinho, entre outros.

Curiosidades sobre Michael Sullivan

Ivanildo de Souza Lima, pernambucano de Recife, iniciou a carreira em meados da década de 1960 atuando como guitarrista e cantor do grupo de rock-baile Os Selvagens. Integrou também, em 1970, o conjunto Renato e Seus Blue Caps. O nome artístico Michael Sullivan surgiu de uma busca de nomes interessantes na lista telefônica.

Em 1976, iniciou a sua carreira solo lançando um compacto pela Top Tape com a música "My Life", que se tornaria tema da telenovela "O Casarão", da Rede Globo. Assim como Morris Albert, seu repertório era cantado em inglês. Em 1979, entrou para os Fevers, considerado um dos melhores grupos de rock-baile do Brasil.

Contudo, seria na década seguinte, e como compositor, que se tornaria conhecido nacionalmente através das suas parcerias com Paulo Massadas. O primeiro grande sucesso da dupla foi "Me Dê Motivo", gravada por Tim Maia em 1983. Em 1984, Antônio Marcos gravou "Corpo e Alma", parceria com Paulo Massadas, no LP O Sonho Não Acabou, lançado pela RCA. Em 1985, seria a vez de Alcione gravar "Nem Morta", canção cujo título foi inspirado nesse bordão muito utilizado por gays, lésbicas e simpatizantes. Ambos foram homenageados com um troféu pela comunidade gay.

Também em 1985, o grupo Roupa Nova lançaria "Whisky a Go Go". O título da música era uma referência à famosa casa de espetáculos situada em Los Angeles, EUA,  onde Johnny Rivers costumava  se apresentar na década de 1960. O último verso do seu refrão "um sonho a mais não faz mal", foi aproveitado por José Bonifácio de Oliveira, o Boni da Rede Globo, e transformado em nome da novela "Um Sonho a Mais", cujo tema de abertura foi "Whisky a Go Go".

Sendo responsável, na maioria das vezes, pela melodia, enquanto Massadas pelas letras, obteve outros êxitos como "Um Dia de Domingo" e "Transas e Caretas". O sucesso da dupla era tão grande nesse período que, em 1987, estava em segundo lugar na lista de arrecadação do ECAD, órgão recolhedor de direitos autorais no Brasil, perdendo apenas para Roberto e Erasmo Carlos. Entrou, então para o livro Guines de Records, com o maior número de músicas gravadas na América Latina. 

Com repertório infantil e romântico, compôs mais de 70% do repertório do programa Trem da Alegria. Com mais de 1000, sendo 500 sucessos absolutos, gravados por diversos cantores como José Augusto, Leandro e Leonardo ("Talismã"), Xuxa ("Chocolate" e "Lua de Cristal", entre outros) Rosana, Zezé di Camargo e Luciano, Elimar Santos, Gal Costa ("Um Dia de Domingo"), Alcione ("Estranha Loucura", "Nem Morta") Tim Maia, Fafá de Belém, Fagner("Deslizes"), Sandra de Sá ("Joga Fora no Lixo"), entre outros.

Continuou compondo sozinho e com outros parceiros. Ainda em atividade continua compondo e produzindo. Em 1991 a cantora e apresentadora de TV Angélica gravou "Uma Estória de Amor", outra de suas parcerias com Paulo Massadas. Em 1994 mesma cantora gravou "Dona Felicidade". Nesse ano acabou a parceria com Paulo Massadas, que durou 16 anos e afastou-se um pouco do meio artístico. Recebeu um convite da Sony Latina e foi morar em Miami e produziu artistas como Rick Martin e Os Menudos.

Em 1999, produziu o CD Animal Faminto, de Sylvinho, cuja faixa título é de sua autoria em parceria com Aloysio Reis. Esteve no topo das paradas de sucessos em 60 países. Como produtor vendeu mais 60 milhões de discos com 600 discos de ouro, 240 de platina e 60 de diamante no Brasil e em toda  a Amárica Latina. Em 2002, teve as suas músicas "Além da Cama"  e "Quarto e Sala" (ambas c/ Carlos Colla) gravadas pela cantora Roberta Miranda, no CD Pele de Amor, do selo Universal Music. Em 2003, retomou a carreira artística com o lançamento do CD Duetos que aconteceu na casa de shows Mistura Fina na zona sul do Rio de Janeiro. 

Em 2006, recebeu homenagem no programa Raul Gil em edição toda dedicada a ele. No programa, jovens cantores interpretaram suas composições, além do depoimento de vários expoentes do mundo da música como Carlos Colla, que declarou sobre ele: "um talento fantástico com quem tenho a honra de ser parceiro". Em 2014, lançou o disco "Mais Forte Que o Tempo", comemorando 30 anos de sucesso como compositor. O CD consistiu em uma reunião de interpretações de vários sucessos de sua autoria por vozes renomadas da música popular brasileira, Ney Matogrosso, Sandy, Fernanda Takai, Gal Costa, Fagner, Roberta Sá, Adriana Calcanhoto, Pedro Mariano, Zelia Duncan, Zeca Baleiro, Negra Li, Paulinho Moska e Carlinhos Brown.
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Fonte: Dicionário Cravo Albim de MPB.

Curiosidades sobre The Rolling Stones

The Rolling Stones - (I Can't Get No) Satisfaction

Não adianta querer evitar. Para falar dos Rolling Stones, esbarramos sempre numa definição absoluta, quase totalitária como "o maior grupo do mundo em atividade". Nenhum outro grupo chegou a ser tão representativo de uma época durante tanto tempo.

Quando surgiram na Inglaterra em 1962, o mundo via os Rolling Stones como os meninos "malvados" em contraposição aos "bonzinhos" Beatles. E essa imagem levam até hoje, apesar da meia-idade. Os ex-estudantes de classe média britânica uniam na música temas como sexo, violência, amor, poder em suas composições, a exemplo de "Street Fighting Man", "(I Can't Get No) Satisfaction", "Lady Jane", "Sympathy For the Devil", entre outras.

Ao contrário da maioria das estrelas do rock, os Stones não posaram para a galera. Sempre estiveram um passo à frente dos movimentos de contracultura, pelo menos, até o início da década de 1970, mesmo arrumando encrencas dentro e fora dos palcos. O vocalista Mick Jagger e o guitarrista Keith Richards chegaram a ser presos em junho de 1967 por porte de drogas, caso que gerou um processo de repercussões internacionais. Até o guitarrista Brian Jones chegou a ser internado num hospital em dezembro do mesmo ano e, quase dois anos depois, deixou o grupo e foi encontrado morto três semanas depois, no fundo da piscina de sua casa.

Depois dos episódios, Jagger leu poemas do poeta romântico Percy Shelley no Hyde Park, em Londres, diante de uma multidão de 40 mil pessoas que lamentaram a perda do guitarrista. Quatro dias depois, a banda voltou a ser destaque nas paradas de sucesso com o single "Honky Tonk Women" e realizou um show em Altamont na Califórnia, nos Estados Unidos.

Mais de 50 anos de carreira, a banda ainda teve baixas de Mick Taylor (guitarra) e Bill Wyman (baixo) e, atualmente conta com Mick Jagger (vocais), Keith Richards (guitarra e baixo), Charlie Watts (bateria) e Ron Wood (guitarra e back vocal) na formação. São quase 30 álbuns gravados em estúdio e gravaram mais de 100 singles. Prova de que os Rolling Stones ainda são a maior banda de rock de todos os tempos.

Curiosidades sobre Bee Gees

Bee Gees - Stayin' Alive

O grupo inglês Bee Gees surgiu em 1958 na Ilha de Man, no Reino Unido. A formação que o consagrou era composta pelos irmãos Barry Gibb, o mais velho, e os gêmeos Robin e Maurice. 

Eles lançaram o single "New York Mining Disaster 1941" em 1967 e muita gente achou que os Beatles estavam cantando, o que ajudou a banda. No mesmo ano, o Bee Gees teve sua primeira música de sucesso mesmo – "Massachusetts". Iniciava-se aí uma fase de hits românticos como "To Love Somebody", "Words" e "I Started a Joke". 

O trio se afastou na virada para a década de 70, mas logo se reuniu e lançou 2 Years On, com o grande hit "Lonely Days". Em 1975, os Bee Gees compuseram e interpretaram parte das canções de Saturday Night Fever, trilha do filme Os Embalos de Sábado à Noite e um clássico da Era Disco. Com faixas como "Stayin´Alive" e "Night Fever", o álbum se tornou um dos mais vendidos de todos os tempos. 

Em 2003, Maurice morreu, com apenas 53 anos. Seis anos depois, Barry e Robin voltaram a trabalhar a “marca” Bee Gees. Em sua carreira, ganharam nove prêmios Grammy e é uma das bandas que mais arrecadaram na história da música. São considerados por grande parte da crítica musical a terceira maior banda da história pelo conjunto de sua obra (composições, produções e gravações), perdendo apenas para os Beatles e o Pink Floyd.

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Fonte: Música (com adaptações)

Perfil de Robertinho de Recife, criador do Yahoo

Robertinho de Recife é um guitarrista, compositor, produtor, multi-instrumentista e arranjador musical brasileiro nascido em Recife, capital de Pernambuco. Por vezes chamado de Robertinho do Recife, seu nome real é Carlos Roberto Cavalcanti de Albuquerque, considerado por muitos como um dos grandes guitarristas do Brasil, sua trajetória no universo da música popular consagra-o como profissional de múltiplos talentos e iniciativas.

Começou a tocar ainda menino, sendo logo apontado como guitarrista prodígio. Aos 12 anos, já considerado virtuose, apresentava-se tocando até com os pés. Ainda como aluno de seminário, estudou música sacra.

No final dos anos 60, acompanhou alguns ídolos da "jovem guarda", como Rosemary e Wanderley Cardoso. Tocou em bandas pop nos Estados Unidos e também em transatlânticos em cruzeiros pela costa brasileira, sendo solicitado em modalidades como o blues, o jazz e o country.

No período em que foi músico de estúdio, tocava estilos radicalmente diversos ao acompanhar artistas como Jane Duboc, Agnaldo Timóteo, The Fevers e Hermeto Pascoal. Outras modalidades que também tocou, incluem o heavy metal e a música infantil (destaque para "O Elefante" ao lado de Emilinha). Na ocasião do lançamento de seu disco Rapsódia Rock, em 1990, apresentava-se vestido de Mozart.

Em 26 de abril de 1985, Robertinho, juntamente com sua banda, o MetalMania, abriu um show para a banda norte-americana Quiet Riot em São Paulo. O mesmo ocorreu no Rio de Janeiro e em Porto Alegre. Em 1988, Robertinho fundou o grupo musical Yahoo, porém deixou a banda um ano e meio após sua fundação, em 1989. Robertinho de Recife teve o auge de sua carreira nos anos 70 e 80 e depois se dedicou a acompanhar artistas como Xuxa, Geraldo Azevedo, Zé Ramalho e Raimundo Fagner.

Na atualidade, trabalha também como produtor musical em seu estúdio, o RR Studios, no Rio de Janeiro. Como guitarrista, Robertinho de Recife já participou em shows ou gravou com vários artistas internacionais, tais como: George Martin, Watchpocket, Stanley Clarke, Peter Tosh, Andy Summers (The Police), Deep Purple (quando este esteve no Brasil), Stewart Copeland (The Police), Quiet Riot (quando este esteve no Brasil), Steve Cropper, Miami Sound Machine, Phil Collen (Def Leppard), John Lee Hooker, Simon Kirke (Free), Bonnie Ratt, Arto Lindsay, Taj Mahal, Gilles Martin, Dr. John and the Night Tripper e Candy Shoes String.

Dentre os artistas nacionais com quem gravou destacam-se: Geraldo Azevedo, Zé Ramalho, Raimundo Fagner, Hermeto Pascoal, Sivuca, Elba Ramalho, Amelinha, Luis Melodia, Dominguinhos, Zeca Baleiro, Luís Caldas, Frank Solari, Moraes Moreira, Orlando Morais,Yahoo (no qual foi integrante-fundador), Xuxa, Martinho da Vila, Marisa Monte, Gal Costa, Tânia Alves, Pepeu Gomes, Wagner Tiso, José Augusto, Agnaldo Timóteo, Elymar Santos, entre outros.

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Fonte: Site Oficial de Robertinho de Recife.

Curiosidades sobre Nirvana

Nirvana - Come As You Are

Nirvana foi uma banda norte-americana de rock, formada pelo vocalista e guitarrista Kurt Cobain e pelo baixista Krist Novoselic em Aberdeen, em 1987, e que estourou em meio ao movimento Grunge de Seattle no início dos anos 90. Vários bateristas passaram pelo Nirvana, sendo o que mais tempo ficou na banda foi Dave Grohl, que entrou em 1990.

No final da década de 1980 o Nirvana se estabeleceu como parte da cena grunge de Seattle, lançando seu primeiro álbum, Bleach, pela gravadora independente Sub Pop em 1989. A banda eventualmente chegou a desenvolver um som que se baseava em contrastes dinâmicos, muitas vezes entre versos calmos e barulhentos, e refrões pesados. Depois de assinar com a gravadora DGC Records, o grupo encontrou o sucesso inesperado com "Smells Like Teen Spirit", o primeiro single do segundo álbum da banda, Nevermind (1991). 

O sucesso repentino da banda amplamente popularizou o rock alternativo como um todo, e como o vocalista da banda, Cobain se encontrou referido na mídia como o "porta-voz de uma geração", com o Nirvana sendo considerado a "principal banda" da Geração X.2 O terceiro álbum de estúdio do Nirvana, In Utero (1993), desafiou a audiência do grupo, apresentando um som abrasivo, menos mainstream.

A breve duração do Nirvana terminou após o suicídio de Cobain em 1994, mas vários lançamentos póstumos têm sido emitidos desde então, supervisionados por Novoselic, Grohl e pela viúva de Cobain, Courtney Love. Em 2014 completaram 20 anos do fim da banda que marcou seu nome na história do rock.

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Extraído do site Wikipédia.

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Nirvana - Smells Like Teen Spirit

Curiosidades sobre Leila Pinheiro

Leila Pinheiro - Verde

Seu nome completo é Leila Toscano Pinheiro. Ela nasceu em 16 de outubro de 1960, em Belém, capital do Pará. É cantora e musicista. Seu gênero musical é variado. Canta samba, bossa nova, jazz, etc. E toca violão, guitarra,  sintetizador e órgão.

Aos dez anos Leila Pinheiro começou seus estudos de piano, no Instituto Musical. Em 1974, deixou o Instituto e começou a estudar com um pianista amigo, de nome Guilherme Coutinho, importante músico de Belém.

Resolveu fazer Medicina. Entrou na faculdade, mas desistiu no segundo ano.Queria mesmo seguir a carreira musical. Fez o primeiro espetáculo no famoso Theatro da Paz, de Belém, o principal teatro do estado.

Em 1981, Leila mudou-se para o Rio de Janeiro e gravou seu 1º LP Leila Pinheiro. Em 1984, excursionou com o Zimbo Trio, indo para o exterior.

Em 1985, ganhou o prêmio na categoria Cantora Revelação no Festival dos Festivais, da TV Globo, cantando a canção “Verde”. Assinou contrato com  a Polygram que, atualmente, é a Universal Music. E gravou “Olho Nu”, com a qual ganhou o prêmio de Melhor Interprete no Festival Mundial Yamaha. No ano seguinte, ganhou da ABPO (Associação Brasileira de Produtores de Discos) o Troféu Villa- Lobos.

Depois gravou vários discos: Alma (de 1988), Bênção, Bossa Nova (de 1989), Outras Caras (de 1991), Coisas do Brasil (de 1993), Isso é Bossa Nova (de 1994), Reencontro (de 2000), Nos Horizontes do Mundo (de 2005), entre outros. Também gravou alguns discos com Roberto Menescal como Agarradinhos (de 2007) e Pra Iluminar (de 2009). Também gravou discos dedicados a Eduardo Gudin e Renato Russo.

Lançou, ainda, os dvds Mais Coisas do Brasil em 2001, Nos Horizontes do Mundo em 2007, e ainda Agarradinhos, com Roberto Menescal, lançado no mesmo ano. Atualmente, com mais de 30 anos de carreira, Leila anda realizando sua nova turnê Eu Canto Samba, interpretando sucessos de Dorival Caymmi, Ary Barroso, Ivan Lins, Zé Kéti, Cartola, Noca da Portela, Jorge Aragão, Arlindo Cruz, entre outros.

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Fonte: Museu da TV (com adaptações).

Curiosidades sobre Bob Dylan

Bob Dylan - Knockin' On Heaven's Door

Entre o impenetrável e o profético, o cantor e compositor norte-americano Bob Dylan ocupa um posto permanente do panteão do rock. Por todas as coisas que ele já fez desde que desembarcou em Nova York no final da década de 1950, Dylan está acima de qualquer crítica, sendo um artista inquieto, tendo conquistado plateias de várias faixas etárias com suas poesias e sua música folk americana na década de 1960.

Robert Allen Zimmerman adotou o sobrenome artístico 'Dylan' do poeta Dylan Thomas. Nasceu no dia 24 de maio de 1941 na pequena cidade de Duluyh, no estado de Minnesota e foi criado como mais um filho da família judaica dos Zimmerman. Fiel à sua geração, Bob Dylan cresceu embalado pelo rock da década de 1950, mas foi com uma guitarra folk acústica e uma harmônica tocada à moda dos velhos músicos de blues de Mississipi é que inspirou Dylan no lançamento do seu primeiro álbum em 1962, após ser descoberto nos bares do Greenwich Village por John Hammond.

A partir daí, foi adorado por uns e execrado por outros a cada mudança de rumo. Popularizando a folk music norte-americana influenciado pelo seu ídolo Woody Guthrie, Dylan compôs "Song To Woody" e "Talkin' New York" e começou a se revelar diante do público.

O segundo disco The Freewheelin' Bob Dylan exibia um poeta exuberante falando de temas que se revestiam de novos significados e visão crítica. Destacaria aí seu primeiro grande sucesso "Blowin' In the Wind" que foi regravado por vários artistas, além de "Hard Rain's Goona Fall" e "Don't Think Twice, It's Alright". 

O auge da carreira veio em 1965 com o álbum Highway 61 Revisited, onde Bob Dylan se tornaria um dos mais influentes poetas de sua geração graças a canções como "Like a Rolling Stone" e outras faixas desse grande disco que ajudou a reinventar e redefinir o rock. Nos anos seguintes, a carreira de Dylan teve seus altos e baixos, mas suas canções continuariam a embalar e influenciar novos nomes do rock internacional, a exemplo de clássicos como "Lay Lady Lay" (de 1969), "Knockin' On Heaven's Door" (de 1973) e "Forever Young" (de 1974).

Em 1979 ganhou seu primeiro Grammy de melhor vocal masculino pela música "Gotta Serve Somebody", do disco Slow Train Coming. Gravou novos discos nas décadas de 1980 a 2010. Seu último trabalho foi Tempest, lançado em 2012.

Amy Winehouse, uma pequena biografia

Amy Winehouse - Back To Black

Amy Jade Winehouse foi uma cantora britânica nascida em Londres. Seu pai era taxista e sua mãe farmacêutica. Interessou-se pela música, principalmente o jazz, ainda na infância ao ouvir artistas como Frank Sinatra, Billie Holiday, Ray Charles e Ella Fitzgerald, vindo a influenciar mais tarde em sua carreira musical.

De temperamento difícil, Amy demonstrava atos de rebeldia a partir dos 09 (nove) anos de idade ao colocar piercing e tatuagem. Seus pais se separaram e ela resolveu estudar música incentivada por sua avó. Ao entrar na adolescência, Amy teve sua primeira banda musical. Cantando nos bares da capital inglesa, a cantora teve a chance de ser contratada pela gravadora Island Records aos 16 (dezesseis) anos e, assim, ter a oportunidade de cantar profissionalmente.

Apresentando composições próprias, Amy Winehouse iniciou as gravações para seu primeiro disco Frank que foi lançado em 2003, lançando dois singles "Stronger Than Me" e "Take the Box" nas paradas de sucesso, demonstrando toda sua potência vocal que impressionou até mesmo os executivos da gravadora. Seu álbum de estréia também mereceu comentários favoráveis pela crítica musical especializada e o reconhecimento pela imprensa.

Com a boa receptividade do primeiro álbum, Amy parte para uma turnê que durou quase três anos. Nesse período, o público pode conhecer a cantora em duas fases: a fase profissional que surpreendia pelo seu canto e suas canções nos palcos e a fase pessoal que chamava atenção pelo físico que chamava atenção devido ao estado de magreza, supostamente provocado pelos vícios do álcool e das drogas que consumia, além das conturbadas relações amorosas que sofria.

Em 2005 volta aos estúdios para a gravação do seu segundo disco que foi lançado em 2006. Back To Black marca o auge da carreira de Amy Winehouse que passa a ser conhecida em todo o mundo, com influências na soul music e seu novo trabalho figurou-se entre os discos mais vendidos no Reino Unido e nos Estados Unidos, sendo premiado com o Grammy Awards, faturando 5 das 6 indicações ao prêmio. Sucessos como "Back To Black", "Rehab" e "You Know I'm No Good" ajudaram a colocar Amy na lista dos artistas mais influentes da nova geração musical. Além disso, Amy contribuía com diversas campanhas de instituições de caridade.

Apesar de todo esse reconhecimento (o álbum, inclusive, foi listado entre os dez melhores álbuns do ano pela crítica musical), Amy mudou radicalmente seu visual e suas performances e, mesmo presente nos shows e festivais pelo mundo, ficava cada vez mais visível o seu estado crítico ocasionado pelo consumo excessivo do álcool. Algumas apresentações tiveram que ser interrompidas devido ao seu estado de saúde que se agravava a cada ano, chegando a ser internada para reabilitação, sob os cuidados do seu pai.

Toda essa jornada, somada com os problemas pessoais, teve seu fim quando Amy Winehouse faleceu aos 27 anos de idade no dia 23 de julho de 2011 em sua residência em Londres, supostamente motivada pelo excesso de bebida alcoólica. Em dezembro do mesmo ano, foi lançado um álbum póstumo intitulado Lioness: Hidden Treasures contendo canções e demos não oficiais.

Amy Winehouse - Rehab

Um pouco sobre Jim Morrison e The Doors

The Doors - When the Music's Over

Um dos grupos de rock mais cultuados do mundo, The Doors surgiu em 1965 no auge do movimento hippie/psicodélico do estado da Califórnia, nos Estados Unidos e, mesmo contando com músicos de qualidade como o tecladista Ray Manzarek, o guitarrista Robby Krieger e o baterista John Densmore, era o poeta e vocalista Jim Morrison quem roubava a cena, sendo o responsável direto pelo sucesso do grupo.

Morrison, o único da banda não nascido em Los Angeles (era natural de Melbourne), chamava a atenção não só pelo seu estilo vocal inimitável até hoje, mas também por sua performance/sexual, que muitas vezes o fez sair do palco no meio dos shows, direto para a prisão, por seus gestos e palavras considerados obscenos.

Influenciado pelo existencialismo (especialmente Nietzsche) e demonstrando uma atitude inconformista, Jim Morrison escreveu letras imortais como "The End" e "When the Music's Over" ambas em referência ao Vietnã, além de "People Are Strange" (regravada pelo grupo Echo and the Bunnymen) e "L. A. Woman". Ao mesmo tempo em que se apresentava com The Doors, Morrison mergulhava-se na dependência do álcool e das drogas antes mesmo do surgimento do grupo.

Dentro dos seis anos de atividade (1965-1971), The Doors cantavam o lado escuro da vida em plena Califórnia hippie. Jim Morrison era uma expressão literária do rock e, mesmo idolatrado e cultuado por vários fãs na época, o vocalista do grupo dava sinais de que sua vida não estava muito bem em razão dos seus vícios excessivos. Sua misteriosa morte aos 27 anos de idade em Paris, na França, no dia 02 de julho de 1971 nunca foi esclarecida. Embora aparentemente tenha morrido de ataque cardíaco, muitos especulavam overdose. No dia 09 de julho de 1971, Jim Morrison é enterrado no cemitério P'ere Lachaise na capital francesa e, até hoje, é visitado dia e noite por fãs que realizam verdadeiros rituais bizarros de celebração ao cantor que foi considerado um dos maiores cantores de todos os tempos, segundo a revista RollingStone.

Quanto aos outros integrantes do grupo, apenas Ray Manzarek ainda aparece vez ou outra como produtor musical de novas bandas. The Doors lançaram nove álbuns de estúdio, sendo três destes após a morte de Jim Morrison. Seus discos continuam sendo reeditados e livros póstumos com poesias de Morrison também chegaram a ser lançados. Entre algumas homenagens no cinema, destacam os filmes "Apocalipse Now", de Francis Ford Coppola (que incluiu a música "The End" na trilha sonora) e "The Doors", de Oliver Stone (em homenagem ao grupo, com o ator Val Kilmer interpretando Jim Morrison, além das participações especiais de Krieger e Densmore).

Um pouco sobre Wilson Simonal

Wilson Simonal - A Vida É Só Pra Cantar

No dia 25 de junho de 2000 morria, no Rio de Janeiro, Wilson Simonal de Castro, cantor que fez bastante sucesso nas décadas de 60 e 70. Nesta época, era um dos artistas mais populares e bem pagos do Brasil. 

Nascido no dia 23 de fevereiro de 1939, ele foi pai de três filhos: Patricia, Wilson Simoninha e Max de Castro, sendo que estes dois últimos também seguiram a carreira musical. Ente 1966 e 1967, apresentou o programa de TV "Show em Si ...monal", pela TV Record. Simonal foi o primeiro negro a apresentar sozinho um programa na televisão. A direção era de Carlos Imperial, um dos responsáveis pelo sucesso de Simonal. 

Em 1970, o músico acompanhou a seleção brasileira de futebol na Copa do Mundo, realizada no México. Ele tinha amizade com jogadores como Pelé, Carlos Alberto e Jairzinho. Quando estava no auge de sua carreira, um acontecimento envolvendo seu contador mudaria drasticamente a sua vida. No início da década de 1970, o cantor teria se sentido vítima de um desfalque e demitiu seu contador, Raphael Viviani, que moveu uma ação trabalhista contra o cantor. Em agosto de 1971, Simonal recrutou dois amigos militares para arrancar uma "confissão" do contador, que foi torturado nas dependências do Dops. O contador, por fim, assumiu a culpa no desfalque. 

Mais tarde, porém, Viviani deu queixa do espancamento e teve início um processo judicial que culminou com uma pena para Simonal de cinco anos e quatro meses de prisão, cumpridos em liberdade. Além disso, foi apontado como colaborador do Dops e ficou conhecido por ser “dedo-duro da ditadura”. Depois deste fato, Simonal caiu em esquecimento a partir da década de 1980. Ficou deprimido, tornou-se alcoólatra e morreu de cirrose hepática, no dia 25 de junho de 2000. 

Dois anos após a sua morte, a pedido da família, a Comissão Nacional de Direitos Humanos da Ordem dos Advogados do Brasil (OAB) iniciou um processo para investigar as suspeitas de colaboração do cantor com os órgãos de informação do regime militar. Em 2003, com o final do processo, Simonal foi moralmente reabilitado, em julgamento simbólico. 

Em 2009, foi lançado o documentário “"Simonal - Ninguém Sabe o Duro que Dei”", dirigido pelo humorista Claudio Manoel, do Casseta e Planeta, Micael Langer e Calvito Leal.

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Fonte: History.

Emilinha Borba: a eterna Rainha do Rádio

Emilinha Borba - Chiquita Bacana

Fica triste o dia 31 de agosto sem a presença dela na missa que sempre era realizada nessa data na Igreja da Campadosa, na Avenida Passos. Não só seu fã-clube, como inúmeros admiradores compareciam a essa missa, onde ela era a figura principal.

Mas que fazer?  A vida continua e a dela continuará na memória de quantos a admiravam e ainda podem curtir suas gravações.

Essa era EMILINHA BORBA, a “Eterna Rainha do Rádio” e “Favorita da Marinha”.

Muitos foram seus sucessos, principalmente depois que ingressou, definitivamente, na Rádio Nacional em 1943. Foi uma figura constante e importante no Programa César de Alencar (este locutor de triste memória).

Seus maiores sucessos são desse tempo, como “Barnabé” (ainda hoje os funcionários públicos (“barnabés”) são assim denominados. Claro que não os “empistolados”, indicados pelo QI (quem indicou)

mas os concursados.

São muitos seus sucessos e deles sempre nos recordamos, mas citaremos apenas os que mais marcaram sua carreira, como “Cachito”; “Chiquita Bacana”; “Se Queres Saber”; “Paraíba”; “Baião de Dois” e “Dez Anos”, dentre inúmeros outros.

Sua atuação no cinema começou em Astros em Desfile (1943) e Tristezas Não Pagam Dívidas (1944), continuando em filmes que marcaram a época das “chanchadas” em nosso cinema, como Barnabé, Tu és Meu; Aviso aos Navegantes; É Fogo na Roupa; O Petróleo é Nosso; Entrou de Gaiato; Folias Cariocas ...

Sendo famosa no rádio, obviamente era chamada para trabalhar no cinema, não como atriz,mas como cantora. E eram os cantores que atraíam público para tais filmes.

EMILINHA BORBA foi a intérprete de “Jerônimo”, música da série Jerônimo-Herói do Sertão,  de grande sucesso no tempo áureo da Rádio Nacional.

Por tudo que ela representou em nosso rádio, nosso cinema e em nossa música popular, recebeu, em 1991, na Câmara dos Vereadores, o título de “Cidadã Benemérita do Rio de Janeiro” e, em 1995, em São Paulo, o de “Cidadã Paulistana”.

Nos últimos anos de sua vida, apresentava-se, anualmente, no Carnaval, em um palanque erguido frente à Câmara dos Vereadores, no qual interpretava famosas marchinhas, que marcaram nosso carnaval. E isso aconteceu até 2005, quando foi aplaudida pela última vez. Nesse mesmo ano, no dia 3 de outubro , ela partiu para a viagem sem volta.

Emilinha tem sua biografia relatada  em um livro de nome “Eternamente Rainha-Emilinha Borba”, da autoria de Ângela Cristina Ferreira e Paulo Armel, com dezenas de fotos sobre ela e sua vitoriosa carreira no rádio e no cinema.

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Crédito de Norma Hauer, da Comunidade do Orkut "História e Música".

Recesso de São João

De hoje até o próximo domingo, o blog Sintonia entra em recesso em virtude dos festejos juninos.

A Festa de São João no Brasil é uma comemoração folclórica de inspiração católica dedicada a São joão Batista, ponto culminante das festas juninas. Realizada na noite de 23 para 24 de junho (solstício de inverno para o hemisfério sul), a festa é caracterizada por comidas e bebidas típicas (pipoca, canjica, pé-de-moleque, quentão, etc.) e por fogueiras, danças, brincadeiras, queima de fogos, balões, etc.

Junto com o dia de Santo Antônio comemorado no dia 13 de junho e o de São Pedro comemorado no dia 28 de junho, a festa de São João é a mais comemorada por todo o Nordeste.

Luciana Carvalho e o samba

A cantora e compositora Luciana Carvalho é o mais novo talento da família de Beth Carvalho.

— Eu sou do samba, vou cantar só samba — garante ela, aos 42 anos, já preparada para futuras comparações com a tia famosa: — Beth é uma deusa. Para mim, ninguém canta como ela. Somos diferentes, mas é claro que há muita influência dela na minha vida.

Foi no período em que morava com a tia que nasceu seu interesse pela música.

— Eu a via dando aulas de violão. Quando eu tinha 10 anos, ela me levou ao Cacique de Ramos. Também conheci Nelson Cavaquinho com ela — lembra.

Não demorou para que Luciana estivesse no palco com a prima Luana Carvalho, também cantora, como backing vocal de Beth.

— Eu estava gravando um álbum, quando engravidei do meu primeiro filho, Rodrigo. Também era bem-sucedida como publicitária. Parei (por uma década) tudo para cuidar dele e voltei a fazer show há um ano — explica a cantora, que teve total apoio da tia para retomar a carreira artística: — Ela me ajudou a escolher o repertório, pediu aos compositores que mandassem músicas para mim.

Luciana, então, recebeu canções de Noca da Portela, Arlindo Cruz e outros. E, sob as bênçãos da madrinha, aposta em seu antigo sonho.

— O samba está na veia dela. Mas sempre digo a Luciana que repertório é fundamental. O show deve começar animado, no meio se canta umas músicas menos fáceis, mas precisa terminar para cima — ensina Beth.

Luciana Carvalho lançou seu primeiro cd intitulado O Samba Que Eu Sei no mês de abril deste ano de 2013, contando com participações especiais de Diogo Nogueira, Arlindo Cruz, Beth Carvalho entre outros.

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Fonte: Extra Globo (com adaptações).

A Música no Mundo e no Brasil - Parte 126

A Música de Cabo Verde

O panorama musical do arquipélago contém várias peculiaridades e expressões locais além dos géneros mais conhecidos. Algumas já desapareceram, como é o caso do galope - que alguns estudiosos apontam como um ancestral da coladeira - e da taca - uma dança sapateada que existiu no passado.

Por influência de modas musicais europeias, chegaram a Cabo Verde ritmos como a polca, a mazurca, o schotish, que acabaram por ser incorporados ao património cultural cabo-verdiano, ganhando um sotaque local.

O talaia-baixo, tocado na ilha do Fogo, e que teve em Minó di Mamá o seu expoente, é um exemplo de crioulização, assim como os temas interpretados ao violino por Travadinha, Nho Kzik e Bau.

O landu, tradição antiga da ilha da Boa Vista é apontado por alguns como tendo origem no lundum brasileiro, enquanto sambas e marchas são compostos por autores cabo-verdianos para os grupos de Carnaval das ilhas onde esta festa tem maior impacto, como S. Vicente e S. Nicolau.

Ainda para além dos géneros musicais citados acima, merece destaque a produção de compositores e intérpretes cabo-verdianos nos países de acolhimento da emigração, em particular os Estados Unidos e na Europa (Holanda, França e Portugal). É nesse contexto da diáspora que é produzida grande parte da música consumida pela juventude cabo-verdiana.

Uma produção eclética, em que coexistem os gêneros tradicionalmente aceites como cabo-verdianos - como o funaná, a coladeira e eventuais incursões pelo batuque - por vezes mesclados a músicas de outras origens - como o zouk das Antilhas e o rap. Novas designações surgem então, como colazouk e cabo love. Outros artistas enveredam, pura e simplesmente, por sonoridades sem qualquer vinculação com Cabo Verde - rap, reggae, R&B - guardando quase sempre, contudo, a língua cabo-verdiana como elo de ligação à terra. Mas há também artistas residentes a praticar gêneros musicais sem origem em Cabo Verde.

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Fonte: Cabo Verde Digital

Emílio Santiago, um pequeno tributo

Emílio Santiago - Saigon

Hoje o Brasil perdeu um dos maiores cantores da música popular brasileira, com uma carreira reconhecida tanto nacional como internacionalmente. 

Dono de uma das mais belas vozes da mpb, Emílio Vitalino Santiago nasceu no Rio de Janeiro em 1946. Vindo de uma família humilde, criado pelos pais adotivos, Emílio morou numa extinta favela situada na Gávea. Já adulto, veio a ingressar na Faculdade Nacional de Direito em 1970 e, durante o curso, veio a descobrir sua vocação musical através de seus colegas de classe que o incentivaram a cantar. A partir daí, participou de alguns festivais universitários de calouros, inclusive do programa apresentado por Flávio Cavalcanti, na TV Tupi em 1973, onde apareceu ao público pela primeira vez, chegando ao final do concurso A Grande Chance, sagrando-se vencedor. Gravou, então, seu primeiro compacto com as músicas "Transas de Amor"  (de S. Tapajós e M. Amaral) e "Saravá Nega" (de Odibar).

Com a experiência que foi adquirindo como crooner nas noites cariocas, Emílio Santiago iniciou profissionalmente sua carreira ao lançar seu primeiro disco homônimo em 1975 pela gravadora CID, gravando canções de artistas consagrados da música brasileira, a exemplo de Ivan Lins, Gilberto Gil, João Donato, Jorge Ben, Paulo Sérgio Valle, entre outros. No ano seguinte, foi contratado pela gravadora Philips/Polygram,  onde continuou a gravar discos de sucesso como Brasileiríssimas (1976), Comigo É Assim (1977, com destaque para "Nega", de Vevé Calazans), Feito Para Ouvir (também de 1977, considerado um de seus melhores trabalhos), entre outros.

Em 1982, o cantor venceu o Festival MPB Shell, promovido pela TV Globo, ao interpretar "Pelo Amor de Deus", de Paulo Debétio e Paulinho Rezende. Em 1985 foi escolhido o melhor intérprete no Festival dos Festivais, da TV Globo, ao interpretar "Elis, Elis" (Estevan Natolo Júnior/Marcelo Simões). Em 1988, foi convidado pelo produtor musical Roberto Menescal para o projeto musical Aquarela Brasileira, gravando 7 discos dedicados à mpb, lançados pela Som Livre onde ficou quase 10 anos na gravadora.

Emílio ainda chegou a se apresentar nos Estados Unidos e na Europa, conquistando a admiração dos críticos musicais. No ano 2000, assina com a gravadora Sony Music onde grava um cd dedicado à bossa nova e um tributo a Gonzaguinha no cd Um Sorriso nos Lábios, gravado no ano seguinte. Seu último trabalho foi gravado em 2012 com o cd e dvd ao vivo Só Danço Samba pela sua gravadora recém-lançada. No dia 15 de novembro, Emílio ganhou o Grammy Latino de Melhor Álbum de Samba/Pagode, por seu último trabalho. 

No dia 7 de março deste ano de 2013, Emílio Santiago foi internado no Rio de Janeiro após sofrer um Acidente Vascular Cerebral (AVC), vindo a falecer hoje (dia 20 de março de 2013). Sua carreira será para sempre marcada pela sua voz e talento, além de ter gravado 25 discos e reconhecido como um dos grandes cantores que o Brasil já conheceu.

Dada esta nota homenageando este grande cantor é que o blog Sintonia não apresentou a seção "Revelação MPB", retornando na próxima quarta-feira. Segue abaixo o clipe de seu último dvd Só Danço Samba:

A Música no Mundo e no Brasil - Parte 119

Hoje, 22 de novembro é o Dia do Músico e trago este belo poema de Ângela Lugo para celebrar esta data que tem muito a ver com o blog. Parabéns a todos os profissionais da área musical pelo seu dia.

Emoção da Música

Se todos os contrabaixos do mundo soassem
A bateria e as guitarras para todos falassem
A melodia que soa nos corações dos músicos
Viria com o som de violino de grandes clássicos

Se todos os instrumentos fizessem uma reunião
Saberiam que todo músico tem por eles admiração
Cada um no seu estilo de adaptação musical
Cada qual tocado por eles em tom especial

Ser músico precisa, com efeito, nascer com o dom
Escolher o instrumento e com ele dar o tom
Para o vocalista entrosado com eles os acompanhar
Assim, som e tom em harmonia a música divulgar

Ser músico é ser um artista da vida construindo emoções
São aqueles que sem querer penetram em todos os corações

Ângela Lugo